Try-X! -ポエティック神谷の戯れ言-
なんとなくを信じる
2019-03-07
どうも！
親知らずあとの穴が塞がりつつあるニコニコティック神谷です。
と同時に、別の歯の神経を抜く激痛に耐え忍んだショボショボティック神谷です。
いや、もう本当に歯医者さんに行くのが嫌です…。
ただの自業自得なのですが。
だけどさ、なんで人間の歯って一回しか生え変わらんの？
進化してサメみたいにならんの？
寿命が延びちゃうと、もう一回ぐらい生え変わらないと足らんと思うのだけど。
あ、でも日常的にぽんぽこ歯が抜けるのも嫌だなぁ。
そんな生命の神秘に対する無意味な怒りは置いておきまして
また戯れ言をつらつらしようかと思います。
ほぼ戯れ言しか書いてないですね(笑)
みなさん、長く好きでいられる（た）ものってありますか？
趣味でも、ペットでも、もちろん人でも何でも。
いっぱいでも一個でもいいので、思い浮かべてみていただけると嬉しいです。
（お金以外でね…。）
そして、質問させてください。
「それを好きな理由ってありますか？」
明確に「ある！」という方もいれば「…」となる方もいらっしゃるかと思います。
人それぞれですし、思い浮かべたものによっても答えは異なりますよね。
ちなみに私は、ほとんどの場合「…」になります。
私はバイクが趣味でして、これは割と長続きしている好きなものだと思います。
じゃあ、なぜバイクが好きなのか。
理由は枚挙に暇がありません。
フォルム、メカニカルな面白さ、乗った時の爽快感、設計者の思想
果てやバイクというものが表象するイメージ。
ただ、少し突っつかれると実はそれらがものすごく表層的なものだと気がつきます。
フォルムを好きだと感じる理由は？
メカニカルなものを面白がる理由は？
そうして私は「…」となってしまうのです。
で、慌てて答えます「なんとなく」と。
写真を撮っていると、自ずと自分の好みについて
考えさせられる場面に出くわすことがあるかと思います。
ここで個人的な、本当に個人的なお願いがあります。
あなたが好きなものを、その理由が「なんとなく」だからということで
嫌いにならないでください。
何か例を挙げるような無粋な真似はしませんが
一つの考え方だけ、あなたの中に置いておかせていただけると嬉しいです。
何かを好きであろうとするとき、人はその理由を探そうとします。
好きでいていい確固とした骨組みや、後ろ盾が欲しくなります。
なぜなら、それに自分自身が寄りかかることで不安定さから解放され
肯定されたように感じられるからです。
それは、理論だったり、思想だったり、知識だったり
テクニックだったり、権威だったりするかもしれません。
それらは人に説明することができ、通じ合えそうで、且つ明確です。
もちろん、それ自体が好きという場合もありますし
それはそれでとても楽しいことです。
しかし、おこがましくも私がここでお伝えしたいのは
安易にそこに根を張らないで…ということです。
最初の質問の時に思い浮かべていただいたもの。
それらには、好きである明確な理由が必ずしもあったでしょうか。
私と同じように、その最下層に「なんとなく」を
見つけてしまった方もいらっしゃるのではないでしょうか。
私は、この「なんとなく」を大切にしたいな、と常々思っています。
「なんとなく」は、私たちを不安にさせます。
寄りかかってみても暖簾に腕押し
まるでコンニャクのようにフニャフニャして全然手ごたえがないからです。
形容することや理論体系的に語ることを拒否し
下手すると言葉にもできないから、とっても頼りなく感じるのです。
だから怖くなって、つい見てみぬふりをしてしまう。
でも、それでもなお、私は「なんとなく」を信じています。
極論承知で問わせていただきますと
「なんとなく好きと感じる自分」というのは他の何かに置き換えがきくものでしょうか。
私は、別のものがここを取って代わるのは非常に難しいと感じています。
そこに高純度のあなたらしさを感じてしまうからです。
不安定さ故に無視してしまうには、あまりに勿体ないなと
どうしても思ってしまうのです。
「なんとなく」に気がつきながら無視することは
いわば、宝の地図にピンだけ刺して、実際には掘らないようなものだと思います。
「なんとなく」はあくまでピンです。
なので、その先に鬼が出るか仏が出るかは、正直わかりません。
さらに性質が悪いことに、このピンはたくさんあったり
自分の環境や年齢で刺さるポイントが変わったりして
ブレブレな感じが余計に不安を煽ってきます。
その上「人に説明できないなら作家として駄目じゃないか」と言われると
これまた弱々しく萎れてしまいます。
ですが、そんな時でも願わくば「なんとなく」を
ちょっとずつ掘り進んでいただけると嬉しいです。
そもそも、私は写真に携わる人みんながみんな作家を目指す必要などないし
そう強いることはちょっと違うかな、と思っています。
写真はそんな幅の狭いメディアじゃないし
付き合い方の懐が深いところも良いところだと考えているからです。
ただ、誰しも自分の写真や作品をより良く
気に入るようにしたいという思いは抱きますよね。
その時に、理論やテクニックにだけ根拠を求めるようになると
写真からその人自身がどんどん遠ざかってしまうように感じられことがあるのです。
これは「基礎を軽んじてもいい」と同義ではありません。
むしろ、その先でちょっとした壁に出くわした際
あんなに弱々しかった「なんとなく」が
急に光り輝く瞬間に巡り合うかも、という可能性のお話だったりします。
好きだったものの積み重ねでブラッシュアップされた「なんとなく」は
いつもあなたに寄り添っています。
そして、いつしかあなたらしさの一部となっていく。
環境や年齢によって変わることも、もちろんあります。
それは、ただ「なんとなく」がアップデートされただけで
経験や考えが乗っかって好みに深みがでるのは、むしろ正常なことだと思います。
だって、昔と今では異性の好みが違ったりしませんか？(笑)（私だけ…？）
掘り起こした結果何も見つけられなくて、徒労に感じることもあるかもしれません。
でもきっと、次の「なんとなく」の強度を高めるのには
一役かっているように私は感じます。
そうやって、ちょっとずつ頼りがいを得て
コンニャクが羊羹（とらや）に、羊羹がお餅（乾燥後）になっていくのだと思います。
だから、「なんとなく」から、どうぞ逃げないで。
ぐだぐだ好き放題書いてしまいましたが
所詮、これは私の勝手極まりない考えなので
果たして、みなさんの役に立つのかどうか非常に怪しいです。
自信は全くありません！（えっへん！）
ただ、もしよろしければ好みについて考える時
引き出しのほんの隅っこにでも転がしておいていただけると本望です。
少なくとも私は「なんとなく」の方が長続きしています。
なんなら、あえて「なんとなく」で留めておきたいと思うことすらあります。
だけど、やっぱり寄りかかる壁は固くあって欲しいとも思ってしまうし
物事を分解して考えることって、とても楽しかったりするから
なかなかフラットに「なんとなく」と付き合えなかったりします。
私の話は大概「言うに容易し、やるに難し」なんですよね(笑)
それでも、なんとなく歯医者さんには行かなきゃいけない気がしているので
逃げないで、引き続き頑張るようにします(;_;)
ポエティック神谷
黒衣の余白
2019-02-07
はい！
ブログ書いてますよ。大丈夫です！！
どうせ半年くらい音沙汰ないだろ、と思っていたでしょう？
ふっふっふっ…今年は違うから。
一体、私は何と戦っているのでしょうか…。
どうでもいい話なのですが、先日、親知らずを抜きました。
歯医者さんに行くのが怖くてこわくて、素知らぬふりをしていたのですが
行ってみたら、あの心配は何だったんだというくらい簡単に
ものの三秒ぐらいでポロッと抜いていただきました。
上顎で、なおかつ歯が退化傾向にあったから楽だったみたいなのですが
あまりの早業にびっくりしました。
ただ、問題はその後で、抜いたところにぽっかり穴が空いていて
これが仕事中も何か気になってしまうんですよねぇ。
さて、あまりに衝撃的な出来事過ぎて
いきなり本当にどうでもいいことを垂れ流してしまいましたが
今回もまた、戯れ言シリーズを書かせていただければと思います。
というか、ネタがないのでしばらくは戯れ言が続いていくと思われます。
有益な情報じゃなくて、すみません…。
テーマは「余白」。
きっと、暗室初体験の方は、店内に転がっているプリントを見て
ちょっとした違和感を覚える方が多いと思います。
暗室でプリントをする際は、通常下の画像のように少し余白をつけて
印画紙内に画像をプリントするのが、いわば通例のようになっています。
毎度、画像がしょぼくて申し訳ないのですが…。
しかし、普通（？）の方は「写真プリント＝お店の2L判」という
いわゆるフチなし（紙全部が画像）プリントのイメージがあるので
なんで、わざわざ余白をつけているのだろうと不思議に思われるそうです。
というか、私も初めそう思いました。
一応、余白をつけるのには理由がありまして
私が知っている限りでは大きく
①撮影フォーマット（35mm, 6×6, 6×7etc）の画像をしっかり使いきるため
②経年劣化やキズから画像を守るための保険
というのがあるかと思います。
①がどういうことかと言いますと
撮影フォーマットによって画像の比率というのは変化します。
35mm判なら一般的に2：3ですし、6×6や6×7ならば
それがそのまま画像の比率になります。
しかし、印画紙は撮影フォーマットごとの比率に合わせて作られているわけではなく
別の規格でサイズごとに比率が決まっていますので
「印画紙の比率＝撮影フォーマットの比率」とはなっていないのです。
例えば、8×10インチの印画紙（比率：2:2.5）に35mmのフォーマット（比率：2:3）を
フチなしでプリントしようとすると、画像の方が横長なので
どうしても左右が切れてしまうことになります。
これはもったいない！
というか、そもそも自分が思っていた画角にならない！！
その為、撮影フォーマットの比率を活かしてプリントをしようとすると
印画紙の内側に画像を収めることになるので、自然と余白がつくようになります。
②は、正直、私も確証があるわけではないですし
保存環境に寄るところが非常に大きいかとは思うのですが
印画紙が経年劣化する際は、紙の端からじわじわと変色が始まることが多いようで
それゆえ、画像部を変色から守る為の保険として
少し余白をつけておく、という意味あいもあるようです。
また、シミ（知ってます？）などの虫食いから画像を守る為や
画像に傷がつく可能性を低くする考えもあったのかな、とも思います。
紙の端っこは齧りやすいし、擦れやすいですからね。
他にも細々した理屈は考えられるのですが
概ね、余白をつけるのは①の理由からだと思います。
しかーし！私はここに第三の理由があるのでは、と考えます。
ずばり「かっこいいから」
…失笑ですか？(;_;)
いやいや、結構マジで言ってます。
仮に、同じ写真を同じサイズの紙にプリントするのでも
画像のサイズ（余白の量）によって観る側の印象は、だいぶ異なるように私は感じています。
ざっくり言えば、余白を多くとるとオシャンティ（お洒落）になる気がします(笑)
これはなぜなのかなぁ、とずっと考えていました。
毎回、自分で話しておいて明確な、お答えができないのですが
多分それは、余白が持つ「何かと何かを繋ぐ」機能に起因した現象なのだと思います。
ここから先は、本当に個人の主観や好みによるところが大きいので
話半分で読んでいただけると嬉しいです。
紙のギリギリまで画像をプリントした場合は
大きい分だけ細かな情報を読み取れるようになりますし
とても迫力があって、圧倒されるものがあります。
ただ私には、時にそれがとても息苦しく
ドンっと作品に言いたい事だけを言われて
突き放されているように感じられることがあるのです。
これはフレームに入れた時に、余白が少ないと顕著なのですが
写真がせせこましく、枠の中で「オレだ！オレだ！オレだ！」と
強く主張しているように感じられます。
もちろん、その効果が巧みに使われている場合も多いという前提での話です。
反対に、ある程度余白をとっている場合、迫力は薄れると思います。
ただ、観る側への押しつけが減って、なんと言いますか
「ねぇ、ちょっとお茶でも飲まない？」と
誘われているような印象を受けることがあるのです。
観ている側が入り込める余地を残してくれていて
写真が「お話ししようよ」と対話を持ちかけてくる雰囲気です。
その感じがオシャンティ（スマート）と感じる理由で
同時に、やりすぎるとスカした（ナンパ）印象を与えるのだと思います。
もちろん、どちらも写真によるかと思いますが(笑)
感覚としては、ちょうど車のハンドルの「遊び」に似ていて
紙にギリギリまでプリントしたものは
遊びの少ないピーキーな挙動で、扱いづらいけど上手く使うと速い。
余白を出したプリントは
遊びの分だけこちらの動きに柔軟に対応し、安心して乗っていられる
といった感じです。
この余白というもの
普段はあまり気にしないものかもしれませんが
上記の様に同じものでも印象をがらりと変えてしまうので
結構重要なのでは？と私は思っています。
あまりにも理詰めでこられるとうんざりしてしまうことってありません？
（私はこれをやりがちなのですが…）
それはきっと、ぎちぎちに物事が詰まっていて
自分が入り込む余地を見出せないように感じられるからなのだと思います。
逆に、どこか一部分でも抜けているところがあると
そこに親しみを感じて、スッと入り込めそうな気がすることってありませんか？
この何かと何かを繋ぐ、ちょっと抜けている部分。
それが「余白」なんだと思います。
なので、この余白の量をどうとるかでも
作品と鑑賞者の距離感は、微妙に変わってくるかもしれません。
そして恐らくですが、この余白は作品そのものにも潜んでいると思われます。
ですが…その話をしだすと、更に長くなっちゃうので
また機会があった時に触れられれば嬉しいです。
もちろん、どのサイズでプリントするのかは個人の自由です。
小さくても、紙いっぱいでも、はたまた35mmをスクエアにプリントしたっていいのです。
結局、何を言いたいかというと
余白のつけ方でもだいぶ印象って変わるので
いろいろ試して遊んでみていただけると嬉しいなぁ
という単純なお知らせでした(笑)
でもやっぱり、ここまできてどうでもいい話なのですが
親知らずの余白
これだけは早く埋まって欲しいものです…。
ポエティック神谷
伝わらなくなる写真
2019-01-15
明けましておめでとうございますm(_ _)m
本年も宜しくお願い申し上げます。
こ、今年こそしっかりブログを書いていきます！
…たぶん。
今回は久しぶりにポエティックらしく（？）戯れ言を書いてみようかと思います。
私事ですが、今年の3月でダークルームのスタッフになって丸5年になります。
こんな私でも、入ってきた時はピチピチギリギリの20代でした。
今や、立派なおじさん。
月日の流れとは恐ろしいものですね。
つきましては、そんな歳月の中でポエティック神谷的に気づいたことを
またつらつらと書いていければなぁ、と思っております。
いや、本当に恐ろしい…。
「写真で気持ちは伝わらない」
私がダークルームに入ってからしばらくした時に、そんな言葉を耳にする機会がありました。
当時、ピュアボーイ神谷だった私は「マジで！？」と純粋に思いましたし、疑っていました。
なぜなら、日は浅いにせよ写真を一生懸命作っているお客様の姿や
楽しそうにプリントをしている様子を間近で見ていたからです。
これが伝わらないはずはないのでは、と考えていました。
しかしまぁ、半年もすると、それを証明するかのような現象が目に留まるようになってきます。
作り手は熱っぽく説明しているのに、見てくれる方には
それが少しも伝わっていないような場面に出くわすことがあったのです。
それも1回や2回とかの頻度ではなく、結構な数。
「なんなんだ、これは」と思いました。
情熱がないわけでも、ましてや手を抜いているわけでもないのに
なぜそれが伝わっていかないんだ。
非常に悲しい気持ちになりました。
作り手に情熱がある→○
製作で手を抜いていない→○
自分の言葉で説明する→○
結果→×
わけわかんねぇぇぇぇ ヽ(`Д´)ﾉ
それを見ていると、まるで自分が分厚い氷に包まれているような気分になりました。
近くに人がいることは、はっきりとわかるのに
氷が熱を奪って、思いを届けることが叶わない。
何とも残酷で、正体がわからない不気味さ。
こんなの、どうしたらいいのさ。
しかし、そんなこととは関係なしに日常は過ぎていきます。
ある時、何を思ったか自分のベタ（インデックスシートのようなもの）を
齋藤に見てもらうようお願いしたことがありました。
「これがいいと思うのですが」と言うと、齋藤は「ふんふん」と言いながら
したり顔でその様子を見ていました。
「チッ！」と思いながら待っていると、しばらくして「それは普通すぎると思う」と
サラッとした答えが返ってきました。
続けて、「この中なら、こっちのカットの方が全然いい」と言われ示されたものは
当時の私にとっては当たり前の風景で気にもとめていない写真でした。
もっと言うと、当たり前の光景を何となく撮ったものでした。
どうにも納得いかないので「なんでですか？」と聞くと
「だって、それは神谷くんにしか撮れない写真でしょ？」と、これまたサラリと言い放たれました。
まぁ、ショックでした(笑)
そんなこと考えてなかったなぁ、と。
腑に落ちない私は、加藤さんやお客様にも同じことを聞いてみました。
ところが、私の意見に賛成してくれる方もいれば、齋藤と同じように全然別のものを選ぶ方もいるという
全くもってまちまちの結果は、特に何も示してはくれませんでした。
がっかりしながらも、まだ自分の中では何か引っかかるものがあったので
ならば、逆に自分が人のベタを見る時はどう思うんだろうと、考えるようになりました。
そうして初めて、ある決定的な事実に気がつくこととなります。
見る側は、目の前にあるものしか見られない。
撮影者は、この写真が「こういう時系列で」「どういった気持ちで」「こんな場所だった」という
バックグラウンドを知っているのですが、見ている方にはそんなこと微塵もわからないのです。
見る側は、目の前に提示されたものに対して主観的に各々の判断をすることしかできず
そこに写っていること以外を察することなど不可能に近い。
それをしてくれと求めるのは究極的には作者のエゴでしかない気がしました。
悪い意味で。
気づいてみれば、ごく単純なことで、要は希望的観測をしていたのです。
「こんなに頑張ってるんだから」「こんなに楽しんでるんだから」「こんなに苦しんでいるんだから」などの
「こんなに」が積もるたびに、気持ちが伝わらないなんてことが起こるはずはない
これはいい写真のはずなんだ、という思いが雪だるま式に大きくなっていく。
しかし、雪だるまの意に反して、写真はどんどん伝わらないものになっていってしまうのです。
それは「伝わっていて欲しい」という一方的な願いでしかないから。
思えば、私の選んだカットに賛同してくれた方は、「どこで撮ったのか」「どういうところだったのか」という
副次的な要素を聞いてくださることが多かったような気がします。
逆に、齋藤のように別のカットを選んだ方は、何ということもなく「これ」ということがほとんどでした。
ちょっとうがった見方ではありますが、言い換えてみれば
私が選んだカットは「副次的な何かを必要としてしまう」もので
別に選ばれたカットは「見る人が素直にいいと思える」ものだったのです。
一枚の写真としてみると、前者より後者の方が強度を持っているように私には感じられました。
どんなに一生懸命で、どんなに楽しんだり苦しんだりしても、最終形（プリント等）に
それらが自然発生的に表れることは、残念ながら極めてまれなことだと思います。
であるならば、見る側の視点を折り込んで、一個いっこの工程でニュートラルな判断ができる
自分であるよう努めることも一つの方法なのではないか、と考えるようになりました。
それは、見る側に媚びるということではなく、むしろ自分の好みを先鋭化させる作業となります。
撮影の時には、自分の好きなもの、興味があるもの、気になるものを撮る。
ベタができたら、撮影時の状況や思いは一旦忘れて、並べられたものの中で、いいと思えるものを選ぶ。
プリントでは、実際の風景は置いておいて、それが好きな具合かどうかで考えてみる。
つまらないと思えば素直に捨てるし、より「いいぜ！」と思えるなら躊躇なく手を加える。
あくまで目の前にあるものに対してだけ判断をするのです。
そうすると、結果的に「いい」の純度が高い作品のみが残っていくことになるので
自然と自分の好みが堆積していくようになります。
もしかすると、その純度の高さは磨かれたダイヤモンドのように
見る人を惹きつけることにも繋がるかもしれません。
後、個人的に大事なのが、そこまですれば最終的に自分が開き直れるっていうのもあります。
「これが好きなんだ。うるせぇ！」と(笑)
とても単純なことですが、これってすごく難しいことだと思います。
私自身、全然できている気がしません！(笑)
写真は機能的に幅の広いメディアですので、もちろんこれらの話が全てに当てはまるわけではないですし
作品の質や説明の仕方、見る人の好み、果ては感受性などのいろいろな要素が複雑に絡み合っていますので
明確な答えにはなっていないと思います。
ただ、写真が人に伝わらなくなる過程の一端ではあるかな、と感じています。
なので、こんなやり方もあっていいんじゃないかな、程度のお話しだと思っていただけると嬉しいです。
長々書いてきましたが、結局、分厚い氷は溶けませんでした。
でもまぁ、もしかしたら小豆大の穴くらいは空けられたかも…？
手をつなぐことはできずとも、大声で叫べば向うの人に気づいてもらえる程度の穴。
それはそれで、またもどかしい状況ですね(笑)
ポエティック神谷
小学校ワークショップ 完結編
2018-12-17
こん…に……ちは。
私を覚えていま…すか？
いま…皆さんの脳内に直接語りかけています。
ポエティック神谷です。
ん？覚えてない？
…帰ります。
ブログが不定期（半年以上）すぎて、本当に申し訳ございません。
正直に言います！
さぼっていました！
すみません！！m(_ _)m
少し忙しい時期がありまして、そこからズルズルと先延ばしにしてしまいました。
毎回、皆様の頭から前回のお話しが綺麗に抜けていったタイミングでの更新になりますが
何となく覚えていて下さった0.1％の皆様に「小学校ワークショップ 完結編」
をお届けできればと思います。
本当に、すみません…。
さて、自分でもどこまで書いたか忘れてしまい、今読み返しています…
そうです！ちょっとした問題が起こった話をしようと思っていました。
問題というか、私が勝手に凹んだ出来事の話なのですが。
前回までで熱意と材料はそろいました。
カメラは弊社にある、使い捨てカメラの使い捨てしない（フィルムを入れ替えられる）バージョンを使用し
フィルムを詰めた状態で子供たちに渡しました。
そもそもフィルムの存在自体を知らない世代ですので、処々の説明をし
「みんなの写真を楽しみにしてるからね♪」と伝えて帰ってきました。
それから数か月後。
そろそろ撮れたかな、と思っていた矢先、齋藤から思わぬことを聞かされます。
「先生から連絡があったんだけど、どうやらいろいろあって学校から撮影に関して条件が付いたらしい。」
プライバシー問題や、いろいろなことに配慮をした結果だそうです。
何個かの条件が出ていたのですが、その中でも個人的に突き刺さったのが
「人を撮らないようにする」という内容でした。
その条件下で、既に子供たちは撮影を終えており
戻ってきたフィルムを現像してみて、とてつもない憤りに襲われました。
見事にどのカットにも、友達やご両親なども含め人っこ一人写っていないのです。
それが30本分。
不気味以外の何物でもありません。
皆、めっちゃルール守るやん…。
未来に残すものを作っているのに、大切な人の姿を残せない。
カメラを渡した時は、キャキャしながら友達にカメラを向けていた子もいたのに。
フィルムを見ていると、その様子がフラッシュバックして、何ともいえない敗北感にのしかかられます。
この部分は書き始めると、ただのグチになっちゃいますので、これ以上は割愛します(笑)
同時に、一つ明確にしておきたいことがあります。
私は今回の学校の在り方に不平不満があるわけではありませんし
ましてや非難するつもりもありません。
なぜなら、先生とお話しをしていく中で、先生方や学校側の大変さが身に染みてわかったからです。
ただ、こんなことすら許されない今の社会の閉塞感みたいなものを
目の当たりにしたもんだから、とても悲しかっただけなのです。
どこにもぶつけることができないボールをヨッと渡されたもんだから、ワタワタしてしまったんです。
きっと先生方は、毎日このボールを渡されては抱えながら教えているのだと思います。
本当に頭が下がります。
それでも捻くれ者の私は、もうちょっと何とかならんかね、と思い
再度、担任の先生とお話しをさせていただく機会をいただきました。
そしてなんと、先生がもう一度学校側と掛け合って下さり
予算の関係で、1人当たりのカット数は少なくなってしまいますが
再度、あまり制限をつけない形で撮影をすることとなりました。
私のわがままに付き合っていただいて、すみませんでした。
それから一ヶ月も経たないうちに再撮分のフィルムが戻り
不思議な緊張感に包まれながら現像をしてみると
そこにはちょっと胸にこみ上げる光景が広がっていました。
元気よく遊んでいる子供たちを、数名分のフィルムから発見できたのです。
公園で、教室で、駅前で…。
その中には担任の先生の姿もありました。
子供独特の低い視点からの見上げた横顔が。
もちろん、人を撮っていればいいということではないです。
風景を撮っていた子たちも、その場所が好きだったのでしょうから、それはとても素晴らしいことです。
風景を撮ってる子もいれば、物を撮ってる子、人を撮る子もいる。
それぞれがそれぞれに大切にしているものが異なるけど、それでいいよ。
担任の先生は、きっとこういうことを伝えたかったのだと私は理解しています。
それが少しでも形になって出てきたことが、とても嬉しかったのです。
ただの自己満足でもあるんですがね(笑)
その後、加藤さん、齋藤、私の三人で学校に乗り込み
理科室を即席の暗室にして、子供たちの手でプリントをしてもらいました。
ここは、ただただ大変だったので割愛させてください(笑)
そうしてできあがった作品は、各々の写真への想いを綴った文章と共に
区役所のロビーで展示され、なんとか最終目標である写真展まで辿り着くことができました。
今回のことで私個人、多くの事を学ばせていただきました。
写真が根源的に持っている「残す」という機能の重要さ。
制限をかけすぎると、つまらないものになってしまうこと。
それがなかなか許されない現在の社会。
そして、何より心に残ったのは
誰かがクラスの全員を集め、教室で集合写真を撮っていたことです。
皆で写真を撮りたい、残しておきたいと思った心意気をとても愛しく感じました。
自然と生まれたその想いこそ、写真を撮る原動力の一つだと思うのです。
ポエティック神谷
小学校ワークショップ 調達編
2018-04-26
すっかり間が空いてしまいました…すみません。
最近、大変ありがたいことに少しだけ忙しい日々が続きまして
レンタル暗室業とは関係ない（？）ところでも、いろいろと動いておりました。
実は、花粉にやられて頭がボーっとしていたというのもあるのですが。
さて！もう前回のお話しが皆様（自分）の頭の中から
消えていってしまったかもしれませんが…続きを書かせていただければと思います。
「ワークショップやるから！」と意気込んでみたは、いいのですが
やはり、何をやるにしても必要経費と言うものは存在するわけです。
実際、1クラス30名で今回の内容を行うとなれば
フィルム、印画紙（バライタ紙）、薬品などを結構な量、準備しなければなりません。
印画紙一つみても、前々回くらいに、ちょろ～っと書きましたが
1カット1枚で仕上げることは非常に困難ですので
余裕をみると1カット辺り3枚ぐらいは欲しいわけです。
ましてや、今回は実作業を行うのが子供たちですから
想定外の事態も考慮すると、1カット辺り5枚程度の余裕はみておきたい。
そうすると5枚×30名＝150枚。
加えてベタ焼き（コンタクトシート）用にも、別途印画紙が必要になります。
昨今の感材事情を考えますと、決して軽視できる費用ではありません。
フィルム現像費、講習費、人件費もろもろ他の部分は飲み込むとしても
これは、いかんともしがたい。
ましてや、うちみたいな弱小暗室では。
ですので、先生には正直にその旨をお伝えすることとなりました。
「材料費に関しては、こちらで持つことはできない」と。
そうして、なんとなく悲しい空気が流れる中、その日のミーティングは終わりました。
私は、心の中で「現実は厳しいなぁ。実現しないかもなぁ」と思っていました。
ミーティング後、何となくそのことが頭によぎりながらも日常は過ぎて行きました。
ある日、私がテレビを見つつ鼻をほじりながら店番をしていると
弊社と取引がある印画紙関係の代理店の方が、フラッと立ち寄ってくださいました。
しばらく世間話をしていたのですが、途中でハタッと気づき
「こ、これは駄目もとで相談してみよう」と思い
今回の事の顛末をお話しさせていただきました。
先生の想いや経費の事など、終始真剣に聞いてくださり
最終的に「ぜひ前向きに検討させてほしい。できる範囲でご協力したいので
詳細が固まったら改めてお話しを聞かせてください」というお返事が。
私の頭の中に「ヒャッハー！」という声が響き、世紀末が訪れました。
<ﾕｱ ｼｮｯｸ!
と言っても解決できそうなのが、まだ印画紙の部分だけでしたので
先生にはお伝えするかどうか少し悩んでいました。
記憶では、ちょうどその位のタイミングだったかと思うのですが
私は齋藤から、さらに衝撃的な言葉を耳にすることとなります。
「先生、教育委員会の助成金獲ったってよ！」
<ﾕｱ ｼｮｯｸ!
再び、世紀末が訪れました。
いつの間にか、私だけ23世紀に。
助成金の額には限度があるので、その中でどう上手くやりくりしていくか
という問題は依然として残されていましたが、これで開催の目途はたちました。
後に、代理店の方も「不思議と、こういう時は何かが呼ぶもんなんですね」
と仰っていましたが、個人的に今回のワークショップでは
いろいろな事が自然と繋がっていく感じがありました。
ちょっとオカルトちっくになっちゃいますが
それはきっと、人の熱意が伝染していったからなんだと思います。
先生の想いがいろいろなものを引き寄せてきたのかなぁ、と。
私が大学生だった頃、ある方に「結局、人を動かすのは情熱なんだよ」と、サラッと言われました。
安定の捻くれ者だった私は、表面上の意味だけを読み取って
「そうはゆうても…」と、内心思っていました。
「人を動かすのは情熱」
今は、その意味が少しだけわかった気がします。
てなわけで、ワークショップは開催する運びとなりました。
ですが、なかなかすんなり事が進むということは少ないもので
また、ちょっとした問題が起こったりするわけです。
次回はそのお話しでも…。
ポエティック神谷
小学校ワークショップ 発端編
2018-03-20
最近、花粉がひどすぎて生きているだけで疲れてしまいますが
皆さんは大丈夫ですか？
朝起きて晴れていると憂鬱になり、雨だと少しホッとする変な時期です。
さて、今回は、以前からtwitterでちょくちょく呟いておりました
とある小学校で行わせていただいたワークショップについて書いてみたいと思います。
ちょっと前のことなので記憶が怪しい部分もあり
多少の誇張が入ってしまっていたら、すみませんm(_ _)m
時は平成29年の夏（ごろ）。
ある日、弊社代表の齋藤に呼ばれてミーティングルームに行きました。
そこには、以前より齋藤とお付き合いのある小学校の先生がいらっしゃり
「フィルム写真に関することだから一緒に聞いて」とのことで、しぶしぶ同席することとなりました。
しばらく聞いていると「区政90周年を記念して、何か後に残るものを作りたい」
という内容ぽかったので「暗室関係のワークショップかな？」と思い込み
私は勝手に段取りなどを考え始めていました。
しかし、お話は途中で思わぬ方向へ進んでいきます。
「もちろん、単純に写真を一から自分で作る楽しさを体験して
それを残して欲しいというのもあるのですが…実はそれだけではなくて」と、先生。
予期せぬ言葉に、私は頭にハテナマークを浮かべていました。
「何と言いますか、最近少し違和感を覚えるんです。
子供たちが算数のように一つの答えだけが正しいと思ってしまうようで。
その上、それを誰かが正解と言ってしまうと皆が追従してしまう。
もっと、いろいろな考え方があってもいいってことを
写真を通して子供たちに伝えられたらな、と思うんです」
私は間抜け顔で「ほえー」と呆けてしまいました。
話しは飛びますが、私は小学生の頃に、とある体験をしました。
学校で「お休みの日の出来事を絵に描いてくる」という宿題がでて
私はちょうどその週の休みに父親と海に行ったので、その絵を描くことにしました。
それは、夕暮れの海岸に父親が作った砂の城の絵でした。
特段綺麗な海ではありませんでしたが、子供ごころに
何となくその光景が印象的で、自分が思う美しい景色として描きました。
砂浜は黒く、海は白く、空は緑に塗って描きました。
宿題提出の日に、自信満々で先生に見せます。
そこで先生から返ってきた言葉
「これはおかしい。
なんで砂浜が黒いの？灰色じゃない？水は青じゃない？空は緑色にはならないでしょ。」
うろ覚えですが多分そのような内容だったと思います。
私は、とてもショックを受けました。
今考えてみれば、べつに自分の絵を貶されたことはよかったのです。
（そりゃ、褒められたらめちゃ喜んだと思いますが）
ショックを受けた原因はきっと、自分が美しいと思ったものが
世の中では「おかしい」のだ、というギャップにぶち当たったからなのだと思います。
少なくとも、これは先生にとって正解ではないんだと。
その頃から安定の捻くれ具合をみせていた私は
反論したい気持ちはあるのですが、それだけの語彙力も説明する力もなく
ただただ、うつむくしかなかったことを何となく覚えています。
そんなことを間抜け顔で呆けながら思い出していました。
そして今、目の前に逆のことを伝えようとしている先生がいる。
何かフツフツと、こみ上げてくるものがありました。
で、何回か齋藤と私で学校に行って、少しお話しをして解きほぐし
モノクロフィルムで写真を撮って、暗室で自分でプリントをする
というワークショップはいかがでしょうか、という話になりました。
どちらの先生が正解なのかなんてことは、私にはわかりません。
そもそも、こんなことに正解も何もあるものなのかとすら感じます。
正直に言えば、私はごくごく個人的に
昔の自分を救ってやりたかっただけなのだと思います。
結果的に、私個人の思いに先生や子供たちを巻き込んじゃったわけです（笑）
ごめんね。
…と調子こいて「やるから！」みたいに話していますが
現実は厳しく、このワークショップを行うにはフィルムや印画紙、薬品代など
結構なお金が必要になるという大きな壁がありました。
それがどうなったのかは、長くなってきたのでまた次回に…。
ポエティック神谷
生贄のことば
2018-03-02
ブログも四発目となり、そろそろ大義も果たした（？）だろう
と勝手に思い込み、より好き勝手に書いていきたいな、と思っております。
凄く目立ちにくいのですが、本ブログは一応、記事ごとにカテゴリー分けをしています。
今回の記事のようにカテゴリーが「戯れ言」の場合は
個人的主観増し増しの内容になるかと思いますので
予めご了承の程、何卒、宜しくお願いいたしますm(_ _)m
あくまで個人的な考えで、他の何かを否定する意味はありませんので
本当に軽い気持ちで「戯れ言」として読んでいただけると嬉しいです。
さて、前回の最後に書き足りない部分がある！と宣言してしまったのですが
実は、それほど大した内容があるわけではなく…。
何を加えてお伝えしたかったかというと
「一枚の写真を印画紙一枚で仕上げるのは、ほぼ不可能」
というだけのことなのです。
印画紙は光の当たる量（露光時間）によって濃さが変わるようにできています。
プリントの濃さは基本的に、薬品に浸ける時間ではなく露光時間で調整をします。
少ないと薄く、多いと濃くなり、自分でプリントをする場合は
ちょうど「いい感じ」の時間を、自分で見極める必要がでてきます。
ただ、露光時間はネガの濃さや、焼きたい大きさ、機材の種類などによっても
変わってしまうので、今の条件でどれくらいが「いい感じ」なのかは
テストをしてみないとわからないわけです。
テストの方法はいくつかあるので、ここで詳しく言及はしませんが
画面の一部分で露光時間を変えたものを、実際に焼いてみて良さげな時間を見つけます。
それから、一枚まるごとを、その良さげな秒数で焼いてみます。
焼いてみてビシッ！と「いい感じ」になっていればいいのですが
「全体でみると、もうちょっと濃い方が…」
「もっとメリハリをつけたい…」
「この部分だけ濃くしたい…」など
いろいろと試行錯誤をすると、一枚の印画紙のみで完成形を作ることは
なかなか難しくなってきます。
なので多くの場合、皆さんが観る完成形としての写真の下には
多数の印画紙が生贄になっていたりするわけです。
めんどくさいですよね。
じゃあその「めんどくさい」は、単に不自由でつまらないものなのか。
ここから個人的主観増し増しでお送りします（笑）
個人的には「そんなことない」です。
先程、「生贄」という言葉を使いましたが
私の中で、完成形に至るまでの印画紙を例えるのに
これほどしっくりくる言葉はありませんでした。
それらの印画紙は見方によっては単に失敗なのですが
死に際にうるさいぐらい話しかけてきます。
「ここ、もっとこうじゃない？」
「あえて、こうしてみるとか？」
「撮影の時に気をつけてればね…」など
有益なものから、邪魔なもの、手遅れなものまで…
本当に多くのことを語り、さまざまな可能性を示してくれます。
作り手はそれらに、時に惑わされ、悩み、そして新たな知見を得ます。
そのうえ、彼らの言葉は決して暗室内に閉じこもったものではなく
撮影やフィルム現像の時に役立つものも多かったりするのです。
なんなら、自分の作風すら変えてしまうくらいに。
職業としてのプリンターでない限り
暗室作業は強制的に自分の写真と向き合う時間です。
「おれはこの路線でいくんだ！」と定まっている方はいいかもしれませんが
多くの方は、私のようにフニャフニャしていると思います（失礼）。
その際は、どうぞ生贄たちの言葉に耳を傾け、相談しながらプリントをしてみてください。
その中で、自分の好みを先鋭化させたり、視野を広げてくれる瞬間に、きっと出会うと思います。
それが偶然だろうが何だろうかは大した問題ではありません。
むしろ、その偶然をギュッと握りしめて離さないでください。
いろいろな気づきに出会い、自分でチョイスしてきた
そういった相談を繰り返していって最終的に残ったものが
そのうち作風になっていくのかも、と私は思います。
もしかしたら、それこそが暗室作業の醍醐味の一つなのかもしれませんね。
たかだか私ごときが言うには、おこがましい内容も多いかと思いますが
「戯れ言」はこんな感じでヌルーっと書かせていただけますと幸いです。
twitterを見て「ちゃんと読んでるよ！」と声をかけてくださった方々
ありがとうございます（笑）
とっても励みになります！
ポエティック神谷
暗室作業ってなんぞ？
2018-02-22
ブログ三発目は予告通り「暗室作業ってなんぞ？」ということについて
書いてみたいと思います。
ここで言う「暗室作業」はイコール「プリント作業」と思っていただけると幸いです。
内容は、前回と同じように銀塩モノクロプリントに絞らせてください。
さて、前回のブログで暗室（赤い部屋）が必要な理由と
印画紙について何となーくご理解いただ…け…た？…でしょうか。
（上手く説明できているのか、毎回不安です）
では、今回は暗室作業の流れを辿る旅に出ましょう！
基本的な内容は前回少し触れたように
「ネガフィルムの画像を印画紙に転写してポジ画像を得る」
というのが大きな目的です。
しかし、例えば35mm版のフィルムを、その大きさにしか転写できないんじゃ
とってもとっても小さくて悲しくなるわけです。
【35mmフィルム1コマの大きさ（一円玉と比較）】
なので、「もっと自分の好きな大きさにしたい！」
という思いが沸々と湧いてきます。
その思いをかなえてくれるのが「引伸し機」です。
暗室というと、こいつがデーンと構えているイメージが
なんとなくあるかもしれません。
【引伸し機】
引伸し機のイメージとしては、プロジェクターが非常に似ています。
プロジェクターは自分が見たい画像や映像をスクリーン等に投影する機械です。
引伸し機も基本的な機能は同じで、使い方も似ています。
①プリントしたいネガをセットし画像を投影します。
【ネガの画像を投影】
②プロジェクターのように引伸し機の高さ（投影する面からの距離）を
変えることで画像の大きさを調節。
【近づけると小さく】 【遠ざけると大きく】
③きちんと画像のピントが合うように調整。
【BAD!】 【GOOD!】
こまごましたことはあるのですが、これがざっくりとした引伸し機の使用法です。
大きく違うのはその目的で、引伸し機は画像を見るための機械ではなく
印画紙に画像を「転写する」ための機械です。
別の言い方をすると、引伸し機は「カメラの逆」を行う装置です。
カメラは外の光を中に「入れて」、フィルムに画像を描き込みます。
その逆に、引伸し機はネガを通した光を「出して」
印画紙に画像を描き込んでいます。
なかなかわかりづらくなってきましたね…すみません。
要は、引伸し機は自分の好きな大きさで、ネガの画像を印画紙に
描き込む役割を担っているのです。
ちなみに、業界用語なのかもしれませんが
引伸し機で、画像を印画紙に照射することを「焼きつける」と言います。
それが転じてか、暗室経験のある方は「プリントする」を「焼く」と言うことが多いです。
なので、「写真を焼いたぜ！」って言うと通っぽいです。
無駄知識ですね（笑）
ちなみにちなみに、それもあって「プリントする」を「印刷する」と言われると
時代の流れを感じて個人的にちょっと凹みます…。
これは本当に無駄知識です。
さてさて、話を戻しますと
引伸し機で、自分の「焼き」たいカットを「焼き」たい大きさにし
印画紙に「焼き」付けることができました。
では、インクジェットプリンターのように、ベベーっと
紙にすぐ画像が出てくるかといえば、実はそうではありません。
前回、「印画紙はネガフィルムの紙バージョン」とお話しさせていただきましたが
処理の仕方まで、ほぼ同じなのです。
いくら印画紙に画像を焼き付けても、それだけではただの真っ白な紙です。
焼き付けられた画像を見るには、フィルムの時と同じように
「現像液」「停止液」「定着液」に浸けてやる必要があります。
よく映像などで見る、液体に紙を入れてちゃぷちゃぷしていると
像がボーっと浮かび上がってくるのはこの部分です。
【ちゃぷちゃぷ】
フィルムの場合は光が当ることが全く許されないので見えないのですが
印画紙の場合はセーフライトがあるので浮かび上がってくる様子を
見ることができるわけです。
それぞれの薬品の役割は
現像液で印画紙に焼き付けられた画像を浮かびあがらせ
停止液でその反応を止めてあげます。
そして、定着液で画像だけを紙に残し
これ以上光にあたっても反応しないよう処理をする
といった感じです。
その後は、印画紙に薬品が残留していると、それもそれで悪さをしてしまうので
水洗をし、乾かして「できた―！」となります。
【でっかくなっちゃった！】
ものすごく端折っていますが、これが暗室（プリント）作業の流れです。
またもや、とっても長くなってしまいましたので
今回はこの辺で…毎度すみません。
読んでくださった方、ありがとうございます。
ただ、実はまだちょっと書き足りないことがあるので
それを次回書きます！書かせてください…。
今回は、ちょっと尻切れトンボな感じになってしまいましたが
もしよければ、次回も読んでいただけますと幸いです。
ダメって言っても、書くから！
ポエティック神谷
暗室ってなんぞ？
2018-02-03
ブログ二発目なので、まだまだ真面目な内容で…
と自分を戒め、前回がフィルム現像についてだったので
今回は「暗室ってなんぞ？」という素朴なお話しを。
うちがモノクロ専用暗室ということもあり、銀塩モノクロプリントに絞って
今回もライトな感じで書いていきます。
さて、まずよく（？）耳にする「暗室」というと
こんなイメージだと思います。
【ザ・ダークルーム 暗室】
赤いボヤーッとした光の部屋で、紙を薬品に浸してちゃぷちゃぷ…。
するとボーっと像が浮かび上がってくる。
で、そもそも何でこんな暗い部屋が必要なのか疑問に思いませんか？
その答えの一つが、銀塩モノクロプリントに使う紙 「印画紙」 との関係です。
「画」を「印」するという、とてもわかりやすい呼称(笑)
【こんな感じで箱に入ってます】
まず、一番大事なことを言わせてください。
絶対に箱を開けないでください！
「押すなよ？押すなよ？」的なネタじゃありません。
本当に開けないでね。
この紙はデジタル出力で使うインクジェットペーパーとは、全く異なる性格を持っています。
それは「光にとても弱い」ということです。
「またかよ！」とお思いでしょう！
そうです！またです！
と言いますか、イメージとしてはネガフィルムの紙バージョンと
考えていただければと思います。
印画紙はその表面にフィルムと同じように感光材（光に反応する物質）が
まんべんなく塗られています。
感光材の性質もフィルムと同じように光が当ったところが反応して
黒く描き込まれるようになっています。
なので、フィルムと同じように（しつこい）ちょっとの光にも反応して
すぐお亡くなりになってしまうのです。
よくあることなのですが
初めて印画紙を買う→ウキウキする→どうしても中が気になる→開ける
その時点で印画紙は無情にもお亡くなり遊ばせます。
しおしおのぱー…。
ということで必要になってくるのが、あの赤い部屋「暗室」です。
「光に弱いくせに、赤い光が点いてるじゃないか！」と言ってくださる
そこのあなた！
ありがとうございます！
【セーフライト】
実は、印画紙はフィルムより鈍感で
ある波長のごく弱い光には反応しないようにできています。
そのため、あの赤い光、一般的にセーフライトと呼ばれる光のもとなら
印画紙を出しても短時間なら影響はありません。
要は、セーフライト下なら印画紙が駄目にならないということです。
そして、セーフライトを点けられると物が見えて
暗室内での作業がグッとはかどるようになります。
はてさて、暗室の必要性が何となくわ…かっ……た
ところで、また素朴な疑問が浮かんできます。
なぜそんなことまでして、ネガフィルムと同じ性質の
めんどくさい紙が必要なのか、と。
前回書きましたが、フィルムとして一般的なネガフィルムには
私たちが見ている世界の、光と影が逆転した状態の像（ネガティブ）が描かれます。
そのままでは「そんなもの欲しくないやい！」となるかもしれませんが
はて待てよ、と。
もしかして、その像を同じ性質を持つものに転写すれば
私たちが見ていた像（ポジティブ）に戻るのでは！？
と言うのが、ものすごくざっくりした暗室プリントの原理なのです。
ちょうど、マイナス×マイナスがプラスになるような感じでしょうか。
そのため、ネガフィルムと同じ性質を持つ印画紙が必要となってくるわけです。
これを「ネガ・ポジ法」と呼びます。
☞ 
【ネガからポジへ】
ネガ・ポジ法はネガという原版があるため
・何枚も同じ画像をプリントできる
・自分の好きな大きさに画像をプリントできる
・プリントの段階でも調整や手を加えられる
という利点があります。
昔、よく「焼き増し」（同じ画像を複数枚プリントする）という言葉を
日常的に聞きましたが、あれはネガがあってこその話なのです。
だから安易にネガを捨てないでね…。
さてさて、調子にのってぐだぐだ書いたもんだから
めちゃ長くなってしまいました。
今回はこの辺りで…。
次回は「じゃあ実際に、暗室では何が行われているのか？」という
内容について書きたいと思います。
毎度、無駄に長ったらしくてすみません。
最後まで読んでいただいている方、本当にありがとうございます。
どれだけの方に読んでいただいているのか全く不明ですが
引き続き、長ったらしい文を、ちょくちょく書いていきますので
どうぞ、お付き合いの程、宜しくお願いいたしますm(_ _)m
ポエティック神谷
フィルム現像ってなんぞ？
2018-01-26
ブログ一発目は、さすがに真面目な内容を…
と、頭がパンクするほど考えをめぐらせ寝込んだ（大嘘）上で
今回は、「フィルム現像ってなんぞ？」という素朴な疑問について、少し語らせてください。
ここでは、フィルムの中でも個人で現像がしやすい
モノクロネガフィルムの現像に絞って書きたいと思います。
「ちょっと興味があるんだけど…」という方向けのライトな内容になりますので
いろいろ端折っていますが…お見逃しくださいm(_ _)m
まず、フィルムってどうやって画像を記録しているのでしょうか？
ずばり、光に反応することで記録しています。
フィルムには光に反応する物質（感光材）がまんべんなく塗られていて
それがレンズを通してカメラに入ってきた光（像）に反応することで
皆さんが撮った写真を記録しているのです。
では次に、どんな反応をしているのか。
ここでは、フィルムの中でも一般的なネガフィルムについてのお話しになりますが
簡単に言うと、光が当ったところが後で黒く残るようになっています。
光の多く当ったところが黒く
ちょっとなら灰色（薄く）に
全く当らなかったところは白い（透明）まま
といった感じで、光の当った量によってグラデーションで変化するようになっているのです。
この性質の為、できあがるのは私たちが実際に見ている世界とは
光と影が逆転した画像「ネガティブ」になります。
プリントを見ると、かわいい顔なのに
フィルムを見ると、めっちゃこわい顔になってるやつ。
あれです。
あれが「ネガティブ」像です。（つ、伝わるかな…）
ネガフィルムの「ネガ」は「ネガティブ」のことを意味しています。
イメージとしては肉を焼くときに
よく火（光）が通ったところは黒コゲに
いい感じで火が通ったところは灰色に
全然火が通らなかったところは生のままになる
といった感じでしょうか。
そうやって、フィルムに画像が焼き付けられているのです。
逆にわかりづらいですね…すみません。
しかし、実はそもそも撮ったぱなしのフィルムというのは
そのままでは写された画像を見ることはできません。
潜像といって、既にフィルムに画像は描き込まれてはいるのですが
姿を現してくれていない状態です。
イメージとしては宝石の採掘みたいなものでしょうか…。
表面上はわからないんだけど地中には埋まっていて
掘ってみてやっと確認できる感じです。
これもわかりづらいですね…すみません。
【撮ったのに何も変化ない…】
そこで必要となるのが「現像」。
先のわかりづらい例えで言えば「いい感じに焼けた肉」を「掘り当てる」作業です。
めちゃくちゃ不味そうですね…。
工程をものすごく簡単に説明すると
まずは、撮影済みのフィルムを薬品に浸けて
光が当った部分だけを黒く変色させ「像」を浮かび「現」してやります。
その後に、余分なものを洗い流して、画像だけをフィルムに残します。
それをすることでやっと、お店から戻ってくる、あのフィルムの状態になるのです。
この一連の流れを「フィルム現像」と呼びます。
【現像後は全然違う！】
ただ、ひとつ問題が出てきます。
上で書いたように、フィルムは光に反応することで画像を描いているので
逆に余計な光を当ててしまうと、せっかく撮ったものが台無しになってしまいます。
光のあるところで、一瞬でもケース（パトローネ）からフィルムを引き出そうものなら
「光強すぎ！もうだめ！」と、フィルム全体が反応してしまって
せっかく撮った画像を覆い隠して、無情にもお亡くなり（真っ黒）になってしまいます。
しおしおのぱー…。
もともと、ほんのわずかな
それこそ、小さな穴から入ってきた1/125や1/250秒間などの光にでも
反応するようにできているものですから、そりゃもうものすごく敏感なわけです。
で、問題になるのが
「現像作業中もフィルムに光を当てることは一切許されないじゃん！」
ということ。
しかし、現像作業を終始真っ暗闇の中で行うとなると
気も滅入る（？）し、全く見えない状態でフィルムを取り出し
薬品に浸け、という作業をしなければならないので失敗も多くなりがち…。
で、もうちょっとなんとかならんかね、ということで素晴らしい道具があります。
現像タンクです。
【現像タンク】
使い方としては
現像タンクの中にある「リール」（渦巻いてるやつ）にフィルムを巻き付け、組立てます。
ここまでは、完全暗室内かダークバックを使うなどして
絶対光が当らない中で作業をしなければいけません。
しかし、そこまですれば中に入っているフィルムはタンクの容器で守られ
明るいところに出しても大丈夫な状態になります。
要は、現像タンク内が小さな暗室になっているのです。
後は、タンクの注ぎ口に「現像液」「停止液」「定着液」の順で
薬品を「入れる→混ぜる→置く→出す」と繰り返し、現像作業を行います。
なんと、薬品に浸ける工程は明るいところでできるようになりました。
こりゃ便利！
そして、フィルムに残っている薬品を水でよく洗い流し
乾燥させて、切って、「ほい、できあがり」となります。
これがフィルム現像の流れです。
字面だけ見ていると難しそうに感じる（ごめんなさい…）かもしれませんが
実際やってみると「意外とできるな」といった感じだと思いますよ。
では、なぜフィルム現像をわざわざ自分で行うかというと
・ネガの調子をある程度調整できること
・すぐ結果がわかること
（現在では、お店に出すとそこそこの納期がかかるため）
が主な利点になるかと思います。
しかし、何よりの利点は、「わくわく」することです。
自分が撮った写真がどうなっているのかを想像しながらフィルム現像をすると
なんとなく愛着も倍増します。
（失敗した時の悲しみも倍増しますが…。）
暗室のスタッフである私がいうと非常に胡散臭いのですが
モノクロ写真を始められた方は、ぜひ一度体験されてみてください。
きっと一本のフィルムに対する想いが変わるはずです。
ポエティック神谷
